"Danza Fanciulla Gentile"（踊れ、優しい娘よ）

この曲のことも、また、他のほとんどのイタリア古典歌曲と同様に、レッスンまで全く知らなった。　

 

そして、はじめての時から好きでたまらなくなった。

 

日本では、元禄文化が花開いて、赤穂浪士が討ち入りをしたころ。

1684年、シチリア王国に生まれ、1755年にナポリて没している。

幼いときにナポリに移り、イエスキリスト貧民音楽学校に入学した。

 

この学校は、後にナポリ音楽院として統合され、ドニゼッティやトスティ等を輩出している。

 

その後、彼は、アレッサンドロ・スカラッティ等に師事。

 

この、アレッサンドロ・スカラッティは、生涯に59もの正統派オペラ（オペラ・セリア）を作曲したイタリアンバロック中期の巨匠。

 

なにしろ、この当時のナポリは、パリ、ロンドンに次ぐ、ヨーロッパ第三位の大都市。

 

それ以上に、「世界の音楽の首都」とも評されるほど、音楽が盛んな土地柄だった。

 

18世紀当初には、特にオペラが隆盛して、劇場が相次いで建設されていた。

 

音楽事情に疎い、普通の日本人の感覚からすると、「なんでナポリ？」、と思う。

だけど、スペイン継承戦争のゴタゴタを経て、ハプスブルクの支配に代わった以降も、

ナポリは、音楽院が輩出する多才な若者たちの活躍により、世界の音楽の中心地として発展していた。

 

ドゥランテは、スカラッティが立ちあげた、〈ナポリ楽派〉を受け継いで活躍するのだけど、

作品はもっぱらミサやレクイエムなどの宗教曲が中心だった。

 

では、歌曲、Danza, fanciulla gentileは、どのような経緯で誕生したのだろうか。

 

この歌は、オペラアリアではなく、作詞者不明のアリエッタとある。

 

アリエッタの定義は、規模の小さなアリア（＝独唱曲）。

 

ということで、この説明をそのまま解釈すると、「詠み人知らず小曲」 となる。

 

訳詞の、字面からの印象になるけど、気の利いた比喩や表現の深みを、あまり感じない。

 

オペラアリアのように、〈避けられない宿命〉のような壮大なテーマというよりは、

似たようなものが他にもありそうな、庶民的な感じ。

      

Danza fanciulla gentile,
al mio cantare.
Gira,vola,leggera,sottire,
vola al suono dell’onde del mare
senti il vavo rumore
dell’aura scherzoza.
che con languido suon parla al core
e che invitaba a danzar senzapoza.

 

踊れ、優しい娘よ、
私の歌に合わせて。
回れ、飛べ、軽やかに、しなやかに、
飛べ、海の波の音にあわせて。
悩ましい響きで心に語りかけ
休むことのない踊りに誘う戯れ心のそよ風の
美しい音を聞け。

残念なことに、オペラの場合と異なり、この歌の出自については、あまり多くの情報を得ることができなかった。

 

そんな中、南アフリカのピアニスト、アルバート・コンブリンク氏（Albert Combrink）が面白いブログを書いているのを発見する。

 

曰く、もともとこの曲は、ドゥランテが学生用に作った教材のようなもので、

歌詞がついていなかったと考えられるのだそうだ。

 

それが、現在のような歌詞つきで世の中に知られるようになったのは、

19世紀に発行された〈Aria Antiche〉という歌集において。

 

その中には、ドゥランテ作とされるものが２曲納められているのだけれど、

どちらもドゥランテ自身が編纂した作品集には入っていない。

 

これらのことから、もとは本人が作品とは思っていない、たとえば学生用の練習曲のような存在であり、

それらに、19世紀の歌集作成時に、編集者により歌詞がつけられたのではないか。

 

速度や強弱表記についても、バロックのころにはないものが使われているので、

メロディー以外は、19世紀の人が、100年前の音楽を想像して作ったものと考えられている。

 

と、いうことで、仮にこの説明が正しいとすれば、コンコーネのどれかに歌詞をつけて歌っているようなものかなぁ。

 

歌詞が、ありきたりな印象であることも、

曲想が、どこかバロック離れしていると感じたのも、

恐らく19世紀にリメイクされたときのアレンジの結果なのだろう。

 

だからといって、この曲の価値を貶めることにはならないと思う。

 

原曲の素晴らしさを後世の人々が引き出し、歌い繋いできた賜物なのだから。

 

歌い手にとって、歌心をそそられるような上行下音階だったり、心地よいリズムの伴奏だったりするのは、

原作者とリメイク者の双方が存在したからだし、どちらか一方が欠けても達成できなかった結果なのだと思う。

 

 

ピアノ版の中では、やはり、パバロッティの演奏が好きだ。

 

レガートとマルカートの歌い分けといい、後半のドラマチックな盛り上げ方といい、『さすが』の一言。

 

オーケストラ版としては、カレーラスやホロストフスキーの演奏がある。

 

うち、ホロストフスキーのほうは、〈Aria Antiche〉全曲をカバーしていているアルバムからのもの。

チェンバロと他の楽器とのアンサンブルに、ホロストフスキーの控え目な歌い方が、バロックらしさを彷彿させている。

 

また、ドゥランテの作として、〈Aria Antiche〉に編入されている、もう一曲のほう。

"Virgin Tutto amor" (愛に満ちた処女よ）。

 

こちらについては、カウンターテナーのクリステアーン・フーゲの演奏が美しい。

 

前述のコンブリンク氏によれば、カストラートの演奏に近いものを感じるのだそうだ。

 

パイプオルガンの調べに乗って、透明な歌声が天空に響いているようだ。

 

ルネサンス、バロック、古典派、ロマン派と進むにつれて、キリスト教の束縛から、音楽は解放されてゆく。

 

より自由に、より奔放に。

 

"Danza, fanciulla　gentile”の存在が、見事にその過程を示していると思う。

 

ほんの小さな歌曲ではあるけれど、バロックと、その後の音楽との融合を示しつつ、

300年後の現在まで、歌い手の心をつかんで離さない。

 

そこには、作者ドゥランテが、伝統を受け継ぎ、真剣に曲想を探求して、

教育を通じて後世に伝えようとした、

音楽への強い思いがあったからなのだろう。